作者徐建融，上海大学教授，上海市十五规划文学、艺术、新闻学科评审委员，《辞海》（2009年版）美术学科主编。本书所讲美术史学，主要是围绕”实践美术史学“展开。作者所谓实践美术史学，是从张彦远、郭熙到董其昌、石涛一脉相承、与时俱进的一个非学院的传统学派。实践美术史学是传统教育的一个优良传统，其研究目的不是为历史而美术，也不是为其他学科而美术史，而是为了现实的美术而美术史，为了解决现实生活中的美术问题而美术史。

作者徐建融，上海大学教授，上海市十五规划文学、艺术、新闻学科评审委员，《辞海》（2009年版）美术学科主编。本书十讲包括：一、超越大限——《伏羲女蜗图》论；二、云冈石窟叙录；三、幻想的太阳——龟兹壁画论；四、维摩诘与魏晋风度；五、“六法”的本义和演义；六、从“曹衣出水”到“吴带当风”——民族绘画格式的确立；七、张彦远《历代名画记》三题；八、阿斯塔那墓花鸟壁画研究；九、张大千谈敦煌壁画札记；十、君子好色——晋唐与明清仕女画的比较研究。

作者徐建融，上海大学教授，上海市十五规划文学、艺术、新闻学科评审委员，《辞海》（2009年版）美术学科主编。国学和西学是人类文明创造的两大高峰，它们有相通的地方，但在根本的性质方面却有着重大的相异。不能认识到这一点，就不可能真正地认识到什么是传统。从事艺术活动，坚守国学的立场，油画可以成为传统；偏离国学的立场，中国画也可以不成为传统。本书从经史文学、书画艺术、文化教育、社会生活、理想理念等诸多方面，系统细致地阐述了徐建融先生关于国学艺术的认识、立场和观点。

本书共八章内容，第一章概括我国艺术教育的现状；第二章针对创意文字的设计与运用，进行研究与分析；第三章针对创意图形的设计与运用，进行研究与分析；第四章从创意的角度来论述其设计与运用：第五章主要介绍创意编排的设计与运用；第六章针对产品设计、视觉传达设计、环境艺术设计等不同类型设计的创意方向与产业化进行研究，第七章结合艺术设计学详细介绍艺术设计教育的教学改革；第八章介绍探索艺术设计教育的实践。

本书以中国近现代艺术发展历程和社会变迁为背景，深入开掘并重新审视吴冠中的人生、艺术思想和艺术作品，凸显他“东寻西找”的艺术理念和追求。本书前半部分从思想史的角度讨论吴冠中艺术思想的形成与特质，并借此展示现代艺术观念在中国20世纪后半期发展历程中的一些片段。后半部分利用形式解析方法具体分析吴冠中的画作，同时讨论中国油画民族化和国画现代化的问题。这两部分分别对应吴冠中艺术人生的思想与创作，二者密切相关，而“东寻西找”这一艺术特质贯穿始终，外化在他融合中西的艺术风格中，内隐于他现代性的文艺思想里。

本书共五章，内容包括：高校美术教育、高校美术教育改革、信息化环境下高校美术教育改革探索、翻转课堂在高校美术教育改革中的应用思考、高校美术教育对学生审美能力的培养。

公共艺术作为一种兴起于20世纪70年代的新兴艺术形态，发挥着传统上城市地标、环境雕塑的作用，在活跃城市人文氛围、繁荣旅游及文创产业发展方面地位日益重要。国内学者对以美国“百分比艺术”为代表的欧美公共艺术策划理论及其社会学意义进行了深入探讨，并产生了相当可观的实践成果。2012年公共艺术也进入教育部《本科招生目录》，成为设计学下9个专业之一。但是，公共艺术本身是动态的实践，其形态与边界一直在不断演化与拓展中，这对我们认识以及借鉴公共艺术精髓产生困难。公共艺术又是高度个性化的实践，不同案例之间存在共

《蒙娜丽莎》曾经两度失窃？《救世主》究竟是不是达·芬奇的真迹？凡·高或许死于谋杀？英国画家沃尔特·西克特是“开膛手杰克”？杜尚的《泉》作者可能另有其人？安迪·沃霍尔留下的“时间胶囊”究竟是什么？……在你熟悉的世界名作背后，不仅有艺术家们留下的精彩创作，还有许多使这些名作得以存在和流传的神奇逸闻。北卡罗莱纳艺术博物馆艺术策展人&独立播客作者珍妮弗·达萨尔，讲述画布之下的艺术史里，12个充满悬念且令人惊奇的故事。

这是首部从历史和批评的角度探讨中世纪边缘艺术的专著。对中世纪的人们而言，边缘是双关、倒错和转化之地，是社会对立和心理冲突上演的场所。无论是常常出现在祈祷书页边的放肆无礼的丑角，还是教堂外墙上颇具嘲弄意味的滴水兽，都不在约定俗成的中心之内，而是身居边缘地带，孕育着反抗中世纪社会束缚的力量。?? 迈克尔·卡米尔在分析了宗教主题和世俗抄本页面边缘的图像如何掩盖、模仿或以其他方式质疑文本的可靠性之后，深入探讨了修道院、大教堂、宫廷和城市等数种主要的社会空间的边缘地带。通过关注“边缘性”在中世纪文化中的

20世纪初，有关“艺术作品是神圣的物品”这一观念遭到了强烈批评，随之而来的结果是艺术作品仅仅被当作“物品”来理解。这是对现实主义的攻击，也是对以博物馆长期以来的保藏任务的攻击。作者认为，这种情况导致了“直接现实主义”的发展：艺术不生产物品，它生产的是不会留存下来的实践（从表演艺术到关系美学）。 在本书中，格罗伊斯探索了互联网时代的艺术。他关注的问题是，当艺术品的命运与其他寻常之物毫无区别的时候，我们如何谈论艺术。作者借用“流变学”的说法，在本书中试图讨论流动着的艺术，以及流动中的艺术产生出的它